В XVII в. существовал и развивался т.н. «школьный театр»,
руководимый монахами в духовных школах.
Богатая история, славное прошлое, традиции сами по себе никогда не гарантируют благополучного настоящего, не способны защитить от упадка. Но опорой, фундаментом для развития служить могут. И в этом смысле современному российскому театру, безусловно, повезло: ему есть на что опереться. Если позволительно рассматривать российский театр как «отрасль» нашей культуры, то можно с удовлетворением констатировать, что отрасль эта в отличие от многих прочих в упадок не пришла и «продукцию» выпускает вполне конкурентоспособную. Возникающие время от времени разговоры о «кризисе» российского театра следует, наверное, воспринимать спокойно, с учётом творческой специфики «отрасли». Тем более что разговоры эти периодически ведутся уже более двух с половиной веков, с тех пор как возник у нас в стране профессиональный театр. Но никому, наверное, не придёт в голову рассматривать его историю как череду кризисных явлений. Напротив, это история настойчивого творческого поиска талантливых людей, результаты которого, безусловно, обогатили русскую культуру, да и в мировую внесли свой весомый вклад. А начиналось всё, как уже сказано, более двух с половиной веков назад…
Первые…
До XVII в. в России потребности в театре как самостоятельной области искусства не было. Исконный интерес народа к зрелищам (и низов, и верхов) удовлетворялся той «театральностью», которая органично входила в народные обряды, календарные празднества, разыгрывание хороводных песен. Элементы театральности пронизывали собой лирические и обрядовые песни, сказки и былины: театральность была представлена и искусством скоморохов.
В царствование Михаила Романова, взошедшего на престол в 1613 г., было построено первое театральное здание в России – «Потешные хоромы», куда входила «Потешная палата», представляющая собой как бы особое ведомство, «к которому принадлежали все потешники и все лица, имевшие во дворце потешное значение».
В XVII в. существовал и развивался т.н. «школьный театр», руководимый монахами в духовных школах.
Но всё это было скорее «художественной самодеятельностью».
А вот у Елизаветы Петровны, взошедшей на престол в 1741 г., получилось. Наверное, просто время пришло. Вообще, в царствование Елизаветы Петровны музыкальное и театральное дело очень выросло и встало на ноги. Никогда до тех пор Петербург не представлял такого изобилия и разнообразия зрелищ. Совместно с иностранными труппами стали выступать русские артисты.
В XVII в. существовал и развивался т.н. «школьный театр»,
руководимый монахами в духовных школах.
Организуются театры в учебных заведениях (1749 г. – Петербургский Шляхетный корпус, 1756 г. – Московский университет), устраиваются русские театральные представления в Петербурге, в Москве, в Ярославле. В 1747 г. происходит ещё одно важное событие: написана первая стихотворная трагедия – «Хорев» А. Сумарокова.
Всё это создаёт предпосылки для появления национального общедоступного театра. Для этого в 1752 г. из Ярославля в Петербург вызывают труппу Волкова. Талантливых
День 30 августа 1756 г. вошёл в русскую историю как положивший начало структуре Императорских театров России: состоялся указ об учреждении русского театра в Петербурге. В состав труппы вступили ярославцы – двое Волковых, Дмитревский и Попов. Театр возглавил Сумароков, классицистские трагедии которого составили основу репертуара. Первое место в труппе занимал Волков, сменивший Сумарокова на директорском посту и занимавший это место вплоть до своей кончины в 1763 г. Именно этот театр в 1832 г. получит название Александринского – в честь жены Николая I. Поэтому «Александринку» принято считать старейшим театром России.
Под структурой Императорских театров стали постепенно как создаваться новые театры, так и объединяться уже существовавшие до того антрепризы.
По мере развития российских театров для правительства становилась всё очевиднее их роль в формировании идеологии и общественных настроений. В 1766 г. по указу Екатерины II была создана Дирекция Императорских театров, в ведение которой со временем перешли все ведущие театры России. Когда государство начинает руководить
Проверено временем
Вообще, государство российское (а позднее – и советское) всегда внимательно и с некоторой даже опаской следило за деятельностью театров. Известное дело: бог знает, куда этих творческих личностей занести может.
Во второй половине XIX в. в истории русского театра наступает новая эпоха – на сцене появляются пьесы великого русского драматурга А.Н. Островского. Слуги государевы встретили их весьма настороженно, тем более что
Впрочем, не это главное. Важнее то, что драматургия Островского – это целый театр, и в этом театре выросла плеяда талантливейших актёров, прославивших русское театральное искусство.
Благодаря прежде всего пьесам Островского Малый театр приобретает большое общественное значение. Недаром его за высокую просветительскую и воспитательную роль называли вторым университетом. Именно он утвердил на сцене драматургию Островского.
Благодаря прежде всего пьесам Островского
Малый театр приобретает большое общественное значение.
После первой постановки комедии «Не в свои сани не садись» Островский все свои пьесы отдавал на сцену Малого театра. Сблизившись со многими талантливыми артистами, драматург сам принимает участие в постановке своих произведений. Его пьесы – целая эпоха, новый этап в развитии русского сценического искусства. Именно в пьесах Островского раскрылся талант крупнейшего актёра Малого театра Прова Михайловича Садовского (1818–1872). Исполнение артистом роли Любима Торцова в пьесе «Бедность не порок» стало одним из его высочайших достижений. Садовский сыграл 30 ролей в репертуаре Островского. Его герои, казалось, пришли на сцену из самой жизни, зритель узнавал в них хорошо знакомых людей. Садовский своим творчеством продолжал принципы великого
Постановки театра постоянно вызывали ожесточённое сопротивление со стороны театрального начальства и цензуры. Многие пьесы Островского, несмотря на их успех у зрителей, часто снимались с представления. В 1880–1890−е гг. после убийства народовольцами Александра II, давление становится особенно сильным. Прибежищем театра во все «смутные времена» была классика. Постановки драм Шиллера, Шекспира, Лопе де Вега, Гюго с участием величайшей трагической актрисы Марии Николаевны Ермоловой стали событиями в театральной жизни Москвы.
А пьесы Островского и сегодня идут на сцене Малого, коллектив которого бережно хранит традиции. И находят своего зрителя. Значит, это драматургия, прошедшая испытание временем. ПР
Хорошо посидели…
В 1897 г.
В ходе этой ставшей легендарной беседы были сформулированы задачи нового театрального дела и программа их осуществления. По словам Станиславского, обсуждали «основы будущего дела, вопросы чистого искусства, наши художественные идеалы, сценическую этику, технику, организационные планы, проекты будущего репертуара, наши взаимоотношения». В продолжавшемся 18 часов (!) разговоре был обсуждён состав труппы, костяк которой составят молодые интеллигентные актёры,
Вот это действительно называется «хорошо посидели»! Чрезвычайно результативно.
Для того чтобы считать Россию рубежа XIX–XX вв. средоточием мировых театральных достижений, было бы достаточно одного К. Станиславского с его ошеломляющими новаторскими идеями и созданным им вместе с В.
Для того чтобы считать Россию рубежа XIX–XX вв. средоточием мировых театральных достижений,
было бы достаточно одного К. Станиславского с его ошеломляющими новаторскими идеями.
В Москве центром театральной жизни был МХТ. Там собралось блестящее созвездие актёров, игравших в спектаклях, привлекавших огромное число зрителей: О. Книппер, И. Москвин, М. Лилина, М. Андреева, А. Артём, В. Качалов и др. Здесь же формировались многие направления современной режиссуры: помимо Станиславского
В то же время Станиславский работал над созданием и совершенствованием системы, которая могла бы дать артисту возможность публичного творчества по законам «искусства переживания» во всякую минуту пребывания на сцене, возможность, которая открывается гениям в минуты высочайшего вдохновения. И эта система, в основе которой лежит разделение актёрской игры на три технологии – ремесло, представление и переживание, – была создана. И обрела всемирную известность. Похоже, что на века. Хотя в попытках опровергнуть её недостатка не было… ПР
До основанья… А зачем?
Среди тех, кто пытался опровергнуть основные принципы учения Станиславского, были и люди, безусловно, талантливые. Самый яркий пример – Всеволод Мейерхольд.
В 1917 г. он безоговорочно принял большевистский переворот и в компании с поэтами Блоком, Маяковским, Ивневым и художником Натаном Альтманом явился в Смольный, чтобы заявить о своей готовности сотрудничать с новой властью. Мейерхольду исполнилось уже 43 года, он был отцом трёх взрослых дочерей, признанным апологетом «нового театра», занимавшим с 1907 г. пост главного режиссера обоих Императорских театров: драмы и оперы – Александринского и Мариинского – в Петербурге.
Он вступил в ВКП(б), несколько месяцев возглавлял ТЕО Наркомпроса. Ориентирующаяся на него пресса атаковала академические театры: поставленную
В общем, предлагалось разрушить старый театр «до основанья». Конечно, ломать – не строить, но в случае с Мейерхольдом всё было гораздо сложнее. Он не просто ломал – он предлагал своё, новое.
Главный театральный революционер предложил совершенно новый принцип постановки. Даже из самых классических пьес – и, вообще говоря, из них в первую очередь – Мейерхольд создавал яркое, запоминающееся зрелище, странные и неожиданные интерпретации персонажей. В противоположность подходу Художественного театра, внутренний мир персонажа раскрывался исключительно через внешние эффекты.
В случае с Мейерхольдом всё было гораздо сложнее.
Он не просто ломал – он предлагал своё, новое.
В 1920 г. Мейерхольд выдвинул программу «Театральный Октябрь», провозгласившую полное разрушение старого искусства и создание на его развалинах искусства нового. Парадоксально, что идеологом этого направления стал именно Мейерхольд, глубоко изучавший традиционные театры. Но разрушительную эйфорию социального переустройства сопровождала и эйфория художественного эксперимента – поддержанного правительством и адресованного новым зрителям.
Залогом успеха в этот период стал эксперимент, новация – разного характера и направления. Возможно, именно это обусловило существование в один и тот же период футуристических политизированных
Судьба талантливого экспериментатора Мейерхольда, оставившего свой яркий след в истории театра, как известно, трагична…
Новый период российского театра начался в 1932 г. постановлением ЦК ВКП(б) «О перестройке
Вернуть на сцену живого человека
Однако, как известно, «идеологический бетон» – материал недолговечный. В середине 1950−х гг. он начал крошиться и давать трещины, которые расширялись под напором свежих творческих потоков.
15 апреля 1956 г. группа выпускников
В 1957 году «Студия молодых актёров» ставит спектакль «В поисках радости» по пьесе Виктора Розова в постановке Олега Ефремова и Виктора Сергачёва.
В 1958 г. официально объявлено о создании
В послевоенной истории страны, в годы разоблачения культа личности, он стал первым театром, рождённым свободным творческим объединением группы единомышленников и сумевшим отстоять себя как целостный художественный коллектив. Основатели театра «Современник» – Олег Ефремов, Галина Волчек, Игорь Кваша, Лилия Толмачёва, Евгений Евстигнеев, Олег Табаков – были недавними выпускниками
В 1958 г. официально объявлено о создании
Главным режиссёром назначен Олег Ефремов.
Во главу своих художественных устремлений создатели «Современника» ставили актёрский ансамбль, подлинное проникновение во внутренний мир героев, в психологию человека, они стремились вернуть на сцену живого человека. В их героях зрители узнавали самих себя. Впервые за долгие годы на сцену пришли подлинные люди со своими ежедневными проблемами, горестями и надеждами. Программное устремление молодого театра – говорить с современниками языком современности – было понято и поддержано публикой. Очень скоро «Современник» стал любимым театром молодёжи и интеллигенции.
К исходу 1960−х Московский театр «Современник» был сложившимся художественным организмом, с ярко выраженными творческими и гражданскими устремлениями, с сильной талантливой труппой. Театр много ездил по стране, и везде, где бы ни появлялись афиши «Современника», залы были заполнены до отказа.
Кризис наступил в 1970−м. Уже с конца 1960−х гг. «оттепель» стала сменяться холодным дыханием нового времени.
Работать театру стало трудно. Впрочем, ему и раньше не было легко, не все замыслы были осуществлены и в годы «оттепели», но тогда коллектив был един, и это помогало держать круговую оборону против произвола цензуры. В 1970−м же произошёл раскол. Приняв приглашение возглавить МХАТ, ушёл из театра его основатель и руководитель Олег Ефремов. За ним труппу покинула значительная часть ведущих актёров.
В 1972 г. труппа проголосовала за то, чтобы художественное руководство театром приняла на себя Галина Волчек.
Вопреки прогнозам, театр не умер. В труппу пришли новые актёры и среди них Марина Неёлова, Валентин Гафт, Лия Ахеджакова, Авангард Леонтьев.
Галина Волчек привлекла к сотрудничеству с театром одного из крупнейших мастеров современной прозы Чингиза Айтматова. Спектакль по пьесе Ч. Айтматова и К. Мухамеджанова «Восхождение на Фудзияму», поставленный Галиной Волчек в 1973 г., показал, что театр не растерялся, что он верен своим художественным и гражданским принципам.
И сегодня, спустя десятилетия, «Современник» жив.
Вольная стихия
В 1964 г. в Московский театр драмы и комедии, расположившийся на Таганке, пришёл новый главный режиссёр – артист театра им. Евг. Вахтангова, педагог театрального училища им. Б.В. Щукина Юрий Петрович Любимов. Пришёл со своими учениками и с их дипломным спектаклем «Добрый человек из Сезуана» Брехта, ставшим символом молодого театра. Вскоре театр сменил название и стал называться по месту своего расположения – Театр на Таганке, в обиходе – просто Таганка.
Обаяние студийности, азартной и умной игры, лёгкой и выразительной условности сразу пленило москвичей. Следующие спектакли закрепили успех. В «Десяти днях, которые потрясли мир» по Д. Риду – «народном представлении в 2−х частях с пантомимой, цирком, буффонадой, стрельбой» – зрители попадали в накалённый и праздничный мир революции. Праздником театра здесь становилось всё. Вольная стихия игры, смелость площадных зрелищ, возрождённые традиции Вахтангова и Мейерхольда, живое дыхание дня – всё это делало Таганку не просто популярной, но жизненно важной. С публикой говорили прямо и не скрывая лица. Внутренняя свобода, достоинство, отпечаток собственной личности отличали актёров Таганки первой её поры – Владимира Высоцкого и Валерия Золотухина, Зинаиду Славину и Аллу Демидову – и стали традицией, обязательной до сих пор.
Другая традиция – владение всей палитрой искусств. Слово и действие – основа драмы – были так же важны, как музыка, движение, пение. Со спектакля «Антимиры» по стихам Вознесенского начался на Таганке театр поэзии; со спектакля «Живой» по повести Можаева – театр прозы. Театр давал своим зрителям уроки литературы, пройдя с ними за 40 лет путь мировой классики с античных времён до Чехова и Брехта. Здесь царили Пушкин и Маяковский, поэты Серебряного века и военной поры; по произведениям Достоевского, Булгакова и Пастернака, «деревенской», «городской» и военной прозы создавался сценический эпос.
Судьба Таганки никогда не была лёгкой.
Постоянный конфликт с властью разрешился трагично и резко: отъездом Любимова за границу, отлучением его от страны, от театра, разлукой.
Таганка давала также уроки истории и гражданского безбоязненного мышления; дарила максимум того, на что способен был театр в условиях несвободы, служа кафедрой и трибуной, царством искусств – и местом встречи людей. Поэтому такой мощный и плотный слой друзей окружал её – из числа тех, что принято называть цветом нации: учёные, общественные деятели, художники.
Судьба Таганки никогда не была лёгкой. Постоянный конфликт с властью разрешился трагично и резко: отъездом Любимова за границу, отлучением его от страны, от театра, разлукой. Полоса отчуждения длиной в 5 лет (1984–1989 гг.) рассекла историю Таганки на две неравные части. Сейчас это уже другая Таганка. И время – другое.
Владимир Высоцкий в спектакле «Десять дней, которые потрясли мир»
Сегодня самые яркие страницы российского театра пишут уже другие люди. Можно только гадать, какой режиссёр, какой творческий коллектив оставит в этой истории наиболее заметный след. Но претендентов вписать своё имя в историю, похоже, немало: сегодня театральная жизнь России многообразна, причём не только в Москве и Санкт-Петербурге.
Оценку результатам творческих исканий даст, как всегда, время. ПР
Быстрые платежки, мгновенный вывод на карту МИР, бонусы на день рождения, кэшбэк, турниры и многое другое! Все это ты найдешь на официальном сайте казино Вавада! Переходи по ссылке и получи бонус на первый депозит!